Iñaki Horta Art.

Una imagen no habla con palabras, pero puede explicar una escena, señalar una injusticia o dejarnos incómodos durante mucho tiempo. Para hacerlo utiliza un lenguaje propio: luz, color, gesto, encuadre, materia, ritmo y deformación. Francisco de Goya permite ver con claridad cómo esos recursos cambian el sentido de una obra. En el artículo anterior vimos cómo Velázquez sitúa al espectador mediante el punto de vista . Goya da otro paso: adapta su manera de pintar y grabar a asuntos muy distintos, desde una escena histórica hasta una sátira o una pintura realizada para un espacio privado. El lenguaje artístico no es un diccionario En arte, un color o una forma no tienen siempre el mismo significado. Una zona oscura puede ocultar, concentrar la atención o crear profundidad; una figura deformada puede resultar cómica, inquietante o crítica. El sentido nace de la relación entre los elementos y del contexto en el que aparecen. Por eso conviene mirar primero qué decisiones se repiten. ¿Dón...

El sábado 17 de octubre vivimos una tarde que guardaremos con mucho cariño. La inauguración de «NO CREAS TENER DERECHOS» , en Galería Bluritup de Castelló de la Plana, reunió a personas con ganas de descubrir, conversar y compartir arte. Nos alegra poder decir que fue un éxito. Lo decimos con ilusión y, sobre todo, con gratitud hacia quienes nos acompañasteis y hacia las cuatro artistas que hicieron posible este encuentro. Un título que nos invita a hacernos preguntas «NO CREAS TENER DERECHOS» es una frase que puede incomodar. Quizá por eso nos anima a preguntarnos qué damos por supuesto y desde dónde miramos el mundo. La exposición no pretende ofrecer una única respuesta. Reúne cuatro lenguajes artísticos muy diferentes , unidos por el amor al arte y la belleza, y por las ganas de mirar más allá de lo evidente. Cuatro formas de mirar y sentir Alba Rueda: escuchar con los ojos Alba Rueda ( @wheel.ofcolors ) reúne arte, diseño y música. Sus discos ilustrados intentan convertir en ...

Hay cuadros que observamos desde fuera. En Las meninas ocurre algo distinto: varias figuras parecen mirar hacia el lugar que ocupamos. Velázquez no solo organiza personajes; también organiza nuestra posición ante la escena. Punto de vista: el lugar desde el que miramos El punto de vista no es exactamente lo mismo que la perspectiva. La perspectiva ayuda a construir la sensación de profundidad; el punto de vista determina desde qué altura y posición contemplamos esa profundidad. Una pintura puede situarnos cerca, lejos, por encima o a la misma altura de sus figuras. En Las meninas , esa elección nos hace sentir que estamos ante una habitación real y, al mismo tiempo, dentro de una pregunta. Una escena a escala casi humana Velázquez pintó Las meninas en 1656. Es un óleo sobre lienzo de algo más de tres metros de alto y casi 2,80 metros de ancho. Su tamaño acerca las figuras a nuestra propia escala. La habitación se prolonga hacia el fondo mediante el suelo, los cuadros de las pared...

Una habitación puede estar llena de personas y, aun así, basta un rayo de luz para decirnos dónde mirar. Caravaggio convirtió esa idea en una de las herramientas más poderosas de la pintura: el claroscuro. Claroscuro no significa simplemente pintar oscuro La palabra reúne dos extremos, luz y sombra, pero su función no es decorar una escena. El contraste tonal sirve para modelar el volumen de los cuerpos, separar figuras del fondo y ordenar lo que vemos. Leonardo da Vinci lo utilizó para dar apariencia tridimensional; Caravaggio llevó el contraste más lejos para intensificar el drama y la emoción. La luz decide qué vemos primero En muchas obras de Caravaggio el fondo queda sumergido en sombra y una luz fuerte alcanza solo algunos rostros, manos u objetos. Esa selección funciona como una guía silenciosa: antes de comprender la historia, el ojo ya ha recibido una dirección. La iluminación no se limita a mostrar; también establece jerarquías y marca el ritmo de la escena. La cena de E...

Leonardo, Miguel Ángel y Rafael: por qué seguimos hablando de ellos Cuando una pintura reúne varias figuras, el problema no consiste solo en dibujarlas bien. También hay que decidir quién llama primero la atención, cómo pasa la mirada de una persona a otra y qué papel cumplen el espacio, la luz y los gestos. A esa organización la llamamos composición . En el artículo anterior vimos cómo la perspectiva renacentista ayudó a construir profundidad . Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael fueron más allá: utilizaron cuerpos, miradas y arquitectura para dar orden y sentido a escenas complejas. Seguimos hablando de ellos no porque trabajaran aislados como tres genios intocables, sino porque observaron, discutieron y transformaron soluciones que todavía sirven para aprender a mirar. Componer es conducir la mirada La composición es la relación entre todos los elementos de una imagen. Importa dónde se sitúa cada figura, pero también la dirección de un brazo, la inclinación de una cabeza, e...

Imagina un suelo de baldosas que se aleja hacia el fondo. Sabemos que las losas tienen un tamaño parecido, pero en la distancia parecen cada vez más pequeñas. Durante el Renacimiento italiano, varios artistas convirtieron esa observación en un sistema que podía construirse con regla, líneas y un punto bien elegido. El cuadro empezó a parecer una abertura hacia otro espacio. En el artículo anterior vimos que muchas imágenes medievales no buscaban imitar exactamente lo que ve un ojo. La forma de representar una figura dependía de la función de la obra . La perspectiva lineal no sustituyó de golpe aquellas maneras de pintar, pero ofreció una herramienta nueva para ordenar el espacio. Una superficie plana que parece profunda La perspectiva crea la ilusión de tres dimensiones sobre una superficie que solo tiene dos. Para conseguirlo, los objetos situados al fondo se representan más pequeños que los del primer plano. También cambian las distancias aparentes entre ellos: las baldosas, col...

¿Por qué durante siglos las figuras no parecían reales? Ante una pintura medieval es fácil pensar: «todavía no sabían representar bien el cuerpo». Pero esa explicación se queda corta. La Edad Media reúne siglos, territorios y tradiciones muy distintas, y muchas imágenes no intentaban imitar lo que vería un ojo en una escena cotidiana. Su trabajo era hacer reconocible una historia, señalar la importancia de una figura o acompañar una práctica religiosa. En el artículo anterior vimos que una imagen puede servir para algo más que decorar o parecerse a la realidad. La función del arte ayuda también a entender por qué algunas figuras medievales son frontales, rígidas, alargadas o poco profundas. Parecer real no era siempre la prioridad Un icono bizantino no funcionaba como un retrato moderno. Representaba a Cristo, la Virgen, los santos o episodios sagrados y podía formar parte de la oración. El Metropolitan Museum explica que los iconos podían ser pequeños objetos personales, tríptico...

Hoy estamos acostumbrados a entrar en un museo y mirar una obra como algo que está allí para ser contemplado. Durante gran parte de la Antigüedad, sin embargo, muchas imágenes no nacieron para decorar una sala ni para expresar la personalidad de un artista. Tenían una función concreta: ayudar a explicar cómo estaba organizado el mundo, hacer presentes a los dioses y reforzar la autoridad de quienes gobernaban. En el antiguo Egipto, una estatua de un dios no era simplemente una representación. Las imágenes podían formar parte activa del ritual. En templos y santuarios, las figuras divinas recibían ofrendas, incienso, vestidos y ceremonias. Para quienes participaban en esos rituales, la imagen permitía establecer una relación entre el mundo humano y el divino. Eso cambia bastante nuestra manera de mirar estas obras. Una escultura que hoy vemos dentro de una vitrina pudo haber sido, en su contexto original, un objeto ritual al que se dirigían gestos, palabras y ofrendas. Su función no ...